Intervju: Konstnären Jane Lee
Singapore konstnären Jane Lee är känd för sitt innovativa verk i målningar. Hon vänder kontinuerligt det traditionella mediet på huvudet och undersöker nya möjligheter när det gäller att presentera målningar som konstverk som inte är begränsade av dukens begränsningar.
För sitt nyligen avslutade hemvist på Singapore Tyler Print Institute (STPI) tog Jane en paus från målningen för att experimentera med andra medier och har skapat ett nytt arbete som kommer att överraska och glädja publiken som är bekanta med hennes tidigare verk.
Art Republik sätter sig ner med Jane för att ta reda på mer om hennes kärlek till målning, utvecklingen av hennes verk genom åren och hennes show, 'Freely Freely' på STPI, som kommer att köras under Singapore Art Week tidigare i år.
Status, 2009
Hur har ditt arbete utvecklats under åren? Vad förändrar ditt arbete från bit till bit?
Jag hade ingen aning om att jag skulle bli konstnär på heltid; Jag hade velat bli modedesigner. Så ändå började jag med målning. Tanken med att måla är att det är ett tvådimensionellt objekt på väggen men jag såg gradvis min målning som installationer. För mig är väggen som målningen är monterad på som en del av arbetet eftersom det som finns runt målningen interagerar med den.
Vad gör att måla ett så tvingande medium att arbeta i?
Jag gillar färg och gillar känslan av att leka med färg. Till och med lukten av färg tilltalar mig. För omkring tio år sedan, när jag blev seriös när det gäller målning, började jag fråga vad essensen i målningen var. Jag frågade mig själv om det fanns andra sätt att skapa målningar och tittade på den traditionella processen och tekniken som gjordes för att göra en målning. Det var så jag började spela med mediet.
Caged Birds, 2015
Kan du gå oss igenom processen att skapa ett konstverk, från konceptet till utförandet?
Jag är väldigt en praktisk person. När jag först började måla det traditionella sättet, planerade jag mycket och skulle sitta ner och skapa kompositioner för mina verk. Allt detta förändrades 1999, då jag åkte till London för att ta reda på mer om samtida konst. Jag deltog i en workshop där föreläsaren kastade färg på papper på golvet och instruerade klassen att bara spela. Det var en ögonöppnare för mig. Och det blev det jag ville göra. Jag hade insett att när jag planerade allt, skulle det verkligen inte vara något liv i arbetet. Jag började gå mer med mina instinkter och spela.
Hur vet du när ett konstverk är klart?
Jag antar att ett konstverk aldrig riktigt kan färdigställas. Om ett verk talar till mig är det gjort. Det är mer emotionellt än intellektuellt. Jag pratar mycket med min målning. Det är en interaktiv process. Målningar är på ett sätt levande även om de inte pratar. De har vissa tendenser. Det pågår någon form av förhandlingar mellan konstnären och verket i konstprocessen.
Ställ in mig gratis VI, 2015
Hur gör du för att välja verktygen du använder för att skapa dina konstverk?
Traditionellt är målningar gjorda med penslar och skulle ofta än inte berätta en historia. Jag hittar verktyg från mitt dagliga liv, till exempel köksredskap, för att göra min konst.
Kan du gå oss igenom processen att skapa ett konstverk?
Tja, på morgonen, när jag kommer till min studio, kanske jag känner mig ganska lycklig och vill använda ljusrött, men när dagen fortskrider, och kanske jag lyssnar på låtar, kan mitt humör förändras och sedan min målning kan bli lite mörk. Jag gillar inte att tvinga någonting att hända. På ett sätt beror utvecklingen av ett arbete på hur jag känner mig en viss dag.
Hur lång tid tar det dig att slutföra ett konstverk?
För stora verk kan det ta sex månader till ett år. Ibland arbetar jag på en bit och sedan halvvägs igen, det finns inget energiflöde, och därför skulle jag lägga det åt sidan för tillfället och återvända till det vid ett senare tillfälle.
Upprullning VI, 2015
Kasserar du några verk?
Många.
Hur bestämmer du vad du ska behålla?
Du vet bara.
Är processen att göra dina konstverk viktigare än utseendet på slutprodukten?
Jag skulle säga att om det är av 100% räknas processen för 80% och slutprodukten räknas för 20%.
Vill du att folk ska vara nyfiken på processen?
Självklart. Det skulle vara bra att se bortom ytan och färgerna. Jag vill få dem att ställa fler frågor om målning som medium och om processen att göra en målning.
100 ansikten, 2014
Kan du prata om din dagliga rutin som konstnär?
Jag börjar dagen med yoga och meditation. Det är viktigt för att hålla mig mer i linje med mig själv. Sedan går jag till min studio och börjar arbeta. Hur jag arbetar beror på de tidsfrister jag har. Om jag har bråttom och måste arbeta väldigt intensivt, säga för en solo-show, skulle jag sedan vägra att gå tillbaka till studion efteråt ganska länge. Som sagt är mitt sinne alltid att tänka, titta runt, leta efter inspiration från mitt dagliga liv, vare sig det är från en morgonpromenad eller i en konversation med någon.
Söker du inspiration från att gå till museet eller delta i andra konstnärsutställningar?
I själva verket undviker jag att se för mycket av andra konstnärers verk. Om du ser för mycket kommer ibland vissa saker som jag gillar att undermedvetet sippra in i mitt arbete. Det dagliga livet är min inspirationskälla, vare sig det är från en morgonpromenad eller i en konversation med någon. Saker jag ser runt mig, vad folk säger - det är de små saker som är min inspirationskälla.
Har du några artister som du tittade upp på när du började?
Det skulle vara Robert Ryman. Det som är fascinerande med honom är att han inte är en målare genom att träna. Jag tror att eftersom han inte har bördan att veta vad en målare ska göra, kan han komma med sina uppfriskande konstverk.
Awakening, 2015
Men tycker du att det är viktigt att först lära sig grunderna?
Jag tror att grundläggande kunskaper kan tjäna en målare väl för att tillhandahålla teknisk kunskap, till exempel med färgblandning. Men när dessa färdigheter har lärt sig, är det antagligen först när de släpps att något nytt kan skapas.
Vad kommer först: titlarna på dina målningar eller själva målningarna? Hur fungerar titlarna, till exempel 'Status' (2009) som finns i den permanenta samlingen i Singapore Art Museum eller '100 Faces' (2014), som visas på din separatutställning i Sundaram Tagore Gallery, Singapore, tillsammans med dina målningar för att kommunicera med publiken?
Med 'Status' ifrågasatte jag måleriets status. Jag fick höra av en av kuratorerna för Singapore Biennale 2008 att jag skulle vara den enda målaren som ställde ut. Den konversationen stannade hos mig. Jag tyckte det förvånande att det fanns så få målare i konstscenen när de flesta konstnärer antagligen började utbildas som målare. Jag tänkte då att målningen som ett medium kanske var död och det inte längre fanns utrymme att spela. Konstverket är en utforskning av målningen i den regionala samtida konstscenen.
Med '100 ansikten' minns jag att jag tänkte att folk var angelägna om att visa stora målningar som var mycket tunga. Jag bestämde mig för att dela upp mitt arbete i 100 mindre och mindre tunga bitar som kunde sättas ihop till en stor målning. Dessutom var det också en kommentar till hur en målning kan ha många ansikten, eller att det kan finnas många sätt att skapa en målning, och dessutom att människor har olika karaktärer som dyker upp i sällskap med olika människor.
Delar du dessa berättelser om skapandet av dessa konstverk med den allmänna publiken?
Normalt skulle jag inte dela, men om folk skulle fråga, skulle jag gärna göra det. Jag vill inte ålägga betraktaren för mycket och diktera vad de ser i konstverken.
Bara ett ögonblick, 2015
Låt oss prata om dina nya verk på STPI, som inte är fokuserade på målningar. Det är en ny riktning för dig. Är detta ett medvetet beslut?
Jag hade velat gå ur målningen ett tag, men hade inte hittat någon ursäkt för att göra det. Jag trodde att det här skulle vara en bra chans att utforska allt annat än målning och att utnyttja anläggningarna på STPI. Det var bra timing att jag blev inbjuden just nu.
Varför titeln "Fritt, fritt"?
Jag ville ha en positiv titel på showen. Min inställning till att göra min konst är glad. Att bli fångad och vara fri är två teman i utställningen. Med serien "Coiling", till exempel, kan processen med att lindra papperet ge en känsla av att bli fångad. Stiften i spolarna ger ett starkare visuellt uttryck för att fångas. På några av verken sitter fåglar på stiften, som kan ses som symboler för frihet.
Förutom pappersarbeten arbetade du också med akryl i utställningen. Hur blev det?
Teamet på STPI är mycket öppet för idéer. Jag bestämde mig för att experimentera fritt och har inkluderat video och animering, samt kombinerat papper med andra medier, till exempel papper med ljud och papper med akryl.
Hur har teamet på STPI drivit din konstnärliga övning?
Under större delen av min karriär har jag arbetat ensam i min studio. Ofta, när jag har dessa små galna idéer, om det är jag ensam, skulle det vara svårt och kan ta längre tid och jag kommer inte att arbeta med dem. Att arbeta här på STPI har fått mig ur min komfortzon. Det kapabla teamet av människor här hjälpte mig att brainstorma och se möjligheter, och mina idéer kunde realiseras på mycket kort tid.
Tror du att du efter denna show kommer att närma dig din övning annorlunda?
Jag är en konstnär i hjärtat, och det finns fortfarande utrymme att leka med målarfärg. När det gäller vilken typ av målning och om det kommer att likna det jag har gjort är jag inte säker. Vad jag har upptäckt här på STPI skulle säkert ha en viss inverkan, men jag kan verkligen inte svara på det här tidspunktet vad jag skulle göra. Jag gillar tanken på att inte veta. Om jag redan vet så skulle jag inte göra det. Jag vill locka och glädja tittaren men för att göra det måste jag göra det för mig själv först.
Story Credits
Text av Nadya Wang
Denna artikel publicerades ursprungligen i Art Republik.
Bilder med tillstånd av STPI
