Konstutställning i Singapore: 'We Are the World - These Are Our Stories' av Amanda Heng på STPI

”Alla har denna vana att hålla något, till exempel en födelsedagspresent, souvenirer och så vidare,” hävdar den singaporeiska konstnären Amanda Heng, ”Hur uppfattar vi värdet av den här typen av samling? Jag tycker att dessa saker är mycket meningsfulla, inte bara för att de kommer från en vän eller någon viktig men de har också en bredare betydelse som rör vår identitet, våra värderingar och våra övertygelser. ” Detta är förutsättningen för Hengs nya utställning "Vi är världen - Dessa är våra berättelser" på Singapore Tyler Print Institute (STPI), från 7 januari till 25 februari 2017, där hon utforskar personliga upplevelser och deras potential att ansluta alla vi.

Utställningen, som startar STPI: s 15-årsjubileum, började med Hengs hemvist på STPI i april 2016, när hon först bad STPI-teamet, och så småningom andra deltagare via word of mouth, att ta med ett enda skatteobjekt. Bland föremålen som fördes var mynt, en matlåda och en tvättgaffel.

Konstnärens praxis, som sträcker sig över två decennier, har baserats på samverkande och tvärvetenskapliga former av konstskapande. En av hennes tidiga verk var mest känd för sina performancekonstverk "Let's Chat" (1996), där hon pratade med publikens medlemmar medan hon dricker te och tog bort tips om beansprouts, för att påminna om enkla livsglädje från en svunnen tid inför materiella framsteg i Singapore. Förresten, detta skedde under Hengs första hemvist i STPI.

Ett annat verk som involverade publikens deltagande var ‘Let’s Walk’ (1999), där konstnären och publikens medlemmar gick i omvänd riktning med högklackade skor i munnen och fortsatte sin väg med hjälp av handspeglar. Detta var en kommentar till Singapore kvinnors motivation att försköna sig för att behålla sina jobb i kölvattnet av den asiatiska finanskrisen 1997.

Därefter fotograferades Heng utklädd i Singapore Airlines flygvärdens kebayauniform på kulturarv i 'Singirl' (2000) för att samtidigt ifrågasätta kvinnliga stereotyper och riva ner dessa platser för ekonomisk utveckling. Det förlängdes 2011 när Heng bjöd in andra kvinnor att gå med henne för att bilda en 'Singirl' kontingent online, genom att skicka in fotografier av deras nakna bottnar, som sedan laddades upp till ett offentligt galleri anonymt. Detta var i en fråga om flera frågor som ligger nära Hengs hjärta, inklusive könspolitik och identitet.

Hengs nuvarande projekt fortsätter i denna synergistiska tradition. Heng arbetade nära med 12 deltagare för att avslöja berättelserna bakom de föremål de skatte. Det var en gemensam insats, med rigorös forskning som utfördes av både konstnären och deltagarna. ”Varje deltagare tog med sig ett objekt och delade sin berättelse och genom det insåg vi att vi behövde veta mer, och så skulle de gå tillbaka till sin familj eller någon som kunde berätta mer om föremålet,” säger Heng. ”Forskningen var beroende av deltagarna eftersom föremålen tillhörde dem. Min roll var att lyfta fram saker som jag behövde veta mer om. ”

Processen var tänkt att vara uppenbarande inte bara för konstnären utan också för deltagarna, och Heng såg till att detta hände genom att ta saker sakta. Heng säger: ”Betydelsen eller värdet av dessa objekt blir tydligare för sina ägare efter att de genomfört forskningen och genom att dela berättelser mellan mig och deltagarna. Med andra ord, före och efter genomförandet av detta projekt kommer sättet att titta på detta objekt att vara annorlunda. ”

När forskningen utbrett mer information, beslutade Heng att skapa collageverk för att fånga vad hon packade upp med deltagarna från föremålen. Collageverken har olika former inom ramar av samma storlek med tryck och papperstillverkning, från pappersutskärningar av bougainvillaea i en till Polaroid-bilder i en annan. "Jag började hela saken utan visuellt resultat," säger Heng. ”Jag ville bara låta hela processen fortsätta så att den så småningom blir berikad med massor av material. Det blev då uppenbart för mig att det måste vara ett collage. ”

För att bevara och presentera de enorma mängder information som producerades från strävan använder utställningen Quick Response (QR) -koder för att ge ytterligare data till collagen för att berätta för varje objekt. ”QR-koden kom till eftersom delningen skedde genom många lägen, som texter och ljud. Naturligtvis samlade vi en hel del fotografier och video, säger Heng. "I stället för att välja och kasta material, blev QR-koden ett intressant sätt att engagera allmänheten att komma in i." Besökare skannar koden med en mobiltaggningsapp på en smartphone, som kommer att länka till korta videor, intervjuer och bildspel.

QR-koderna får en framträdande placering i utställningen. I stället för att visas i sitt vanliga måttliga svartvita format, återges det i samma storlek som collagearbetet och i samma färgschema som collagearbetet, det kompletterar, och betonar vikten av forskningsresultaten.De utökar publikens deltagande i konstverket och ger äganderätten till publiken av deras upplevelse av konstverket, oavsett om de väljer att ta reda på mer om ett visst konstverk eller inte om andra.

Skanna QR-koden som åtföljer ett lapptäcke av brunt papper som är inskrivna texter som "Japan", "Australien", "Singapore" och "Anchor In Me = Home", och ritningar av människor som en man som bär hatt, vi föras till en fyra minuters video med titeln 'Haruka / Leaf with a Name', där vi ser baksidan av en kvinna, förmodligen av deltagaren Haruka, som tar rollen som en dirigent för en japansk sång om livet levt som exemplifierat av ett blad. Medan varje collageverk inte direkt kan hänföras till varje deltagare eftersom alla verk är ett, bekräftas de i katalogen.

I ett annat verk som inträffade från minnet av någon som avled, leder QR-koden till ett radioprogram om läkningsprocessen, vilket gör det möjligt att öppna det personliga arbetet på ett mer allmänt sätt. ”De är faktiskt större innehåll eller fler berättelser från andra människor, från allmänheten. Dimensionen var mycket annorlunda och inte bara om mig själv och den andra individen. Det handlar om den större bilden och fortfarande avser detta objekt, säger Heng.

Medan projektet handlar om minnen, konstaterar Heng att det inte handlar om nostalgi. Till exempel är ett av föremålen en tvättgaffel gjord av grenen av ett guavaträd, med barnbarn. För detta ville Heng betona deltagarens mormors kreativitet och hur människor i allmänhet nöjer sig med det de har till sitt förfogande. Här kunde mormor se att guavaträdet var det bästa valet för tvättgaffeln baserat på hennes kunskap om sin miljö genom sin rika levande erfarenhet.

För att lyfta fram människans universella lutning och förmåga att vara resursstark kopplar Heng skapandet av denna speciella tvättgaffel till uppfinningen av TV: n, som inträffade ungefär samtidigt, av Philo Taylor Farnsworth, den preliminära idén som han hade utvecklat medan fortfarande i gymnasiet. Det är en firande av mänsklig kreativitet som har potential att förbättra människors liv och de omgivande, och ibland hela världen.

Heng visar genom utställningen att den individuellt upplevda upplevelsen, oavsett hur personlig den ursprungligen kan framträda, är relatabel och universell, och att berättelser har kraften att få oss att förstå oss själva och varandra bättre.

Denna artikel publicerades först i Art Republik.