Till oändlighet och bortom med Jahan Loh

Detta är inte en saga. Det här är en Luke Skywalker-underhundshistoria om Art Republik täckstjärnan Jahan Loh (f. 1976), en singaporisk samtidskonstnär som för närvarande är baserad i Singapore; fortfarande försöker hitta ett hem i sitt hemland, och skulle förmodligen tappa en arm innan han äntligen gör det. Hans filosofi om konst och konstnär är lika enkel och så framtidsinriktad som den blir: ”Samtida konst återsätter det moderna livet eftersom båda ständigt utvecklas. Konstnärer måste vara känsliga för förändringarna i sin miljö, eller det kan vara farligt om de börjar på sin kreativa resa oförberedd. De bör ständigt utveckla och modifiera sin praxis och bör ständigt sträva efter att införa nya visuella element för att stimulera sin publik. ”

Jahan anser att en konstnär bör vara beredd att gå vidare med den ständigt föränderliga världen, inte nödvändigtvis för att bryta traditionen, men återuppfinna den och alltid hålla ett öppet sinne; det handlar omfamna förändring, inte slåss mot det; om att vara kommersiell, men inte sälja ut; om självuttryck, inte självberövande; om passion, inte propaganda.

Alltid vandring på vägen inte tagit, avvisade Jahan en karriär i lag för en inom konst när han accepterade ett stipendium i konst vid LASALLE College of the Arts, Singapore, från Singapore Press Holdings (SPH). Författare och kurator Alexandra Chang skriver i sin introduktion till Jahans bok, en som kartlägger hans konstnärliga resa från 2013 och tidigare, med titeln ”Grundläggande instruktioner innan han lämnar jorden” (2013), att ”[t] han överträdande fokus på abstraktion vid skolan på tiden stod i motsats till hans intresse för popkulturella ikoner och figurativa former. I ett försök att komma till rätta med sina situationer, skapade han ett verk som inkluderade en negativ utvärdering från läraren i sitt program och en serie tidigare kritik på hans målning, med hänvisning till Basquiat som hans inflytande vid den tiden ”.

Palm Boy, 2009

Jahan fortsatte med att uppmärksamma Nokia, men förlorade respekten för konstavdelningen LASALLE, som knappt passerade honom. Nokia gav emellertid honom en utmärkelsen vid deras Nokia Regional Awards Show 2000, efter en resande gruppshow som besökte Singapore, Kuala Lumpur, Taipei, Peking, Hong Kong och Auckland.

Efter examen från LASALLE fortsatte han sina studier, med examen i design och fick sina magister från University of New South Wales, innan han återvände till Singapore för att tjäna sitt stipendium inom SPH-avdelningen i The Straits Times där han arbetade som konstnär och skapade tecknade filmer och infografik för den nationella tidningen. Han bröt sitt band med SPH inom ett år och flyttade till Taipei, Taiwan, 2002, efter att ha erbjudits ett jobb där, där han arbetade i MACHI Entertainment under Jeffrey Huang, företagets kreativa chef.

I Taipei fick Jahan berömmelse för sina ritningar för Machis (hiphop-grupp) CD-ärmdesign och bandets musikvideor. Han vann flera taiwanesiska musikpriser inklusive MTV: s CD-omslag Design of the Year. Med boom i den taiwanesiska musikbranschen inrättade han Invasion Studios 2004 med Jeff och hans bror Stanley Huang för att designa albumomslag och musikvideor. Med utvecklingen av MP3- och musiknedladdningar minskade branschen och Jahan vände Invasion Studios riktning mot konst och animering, som inkluderade att göra vinylleksaker. Hans arbete både som kommersiell och konst / gatakonstnär markerade en ny inställning till konstpraxis i Taiwan.

Pork Luncheon C, 2011

Jahan är den typ av kille som gör och inte tar livet på allvar. Han följer sina instinkter vart de än tar honom. Han påminner om: "Tänker jag tillbaka, jag trodde inte att hela saken skulle bli så stor ... men då var vi fortfarande ett väldigt litet samhälle."

2005 reste Jahan till New York där han samarbetade med sitt barndom-idol John 'CRASH' Matos för att förbereda sig för två back-to-back-utställningar i juni 2006. Medan han i New York träffade Jahan också konstnären fas 2, som slutade upp spelade en viktig roll i att odla Jahans identitet som person och konstnär.

"Du har asiatisk rätt, men du målar som vi gjorde på 70-talet. Så var är din identitet? ” Jahan kommer ihåg att fas 2 frågade honom. ”När han sa det fick han mig verkligen att tänka: Det är sant att jag är kines, jag är Singaporeaner, men många människor i Kina tror att jag är taiwanesisk, så vad är jag? Det var denna period då jag tänkte verkligen hårt. ”

The Clash, 2013

Alexandra Chang skriver: ”Att komma ur den här upplevelsen ... [Jahan] började hålla sin pensel på kinesen mao bi utforma och måla sitt manusbaserade verk i svartvitt, med hänvisning till kinesisk kalligrafisk tradition. Ändå omfattade detta bara en del av ... [Jahans] konstnärliga anknytningar och korsningar som en konstnär utbildad på gatorna i Singapore, Tokyo och Taiwan, samt konstskola, och formad av graffitikonstnärer från 1970- och 1980-talet i New York City och dess våg av globalt inflytande och det internationella fenomenet leksak, manga och serietidningskultur. Efter att ha kämpat med begränsningarna av konstvärlden och nationella etiketter av graffiti och gallerist, design och konst och hans egen kulturella identitet ... [Jahan] befann sig leva inom rymden av flera överlappande identiteter med flera möjliga kategoriska kategorier. ”

Sedan 2006 visades hans arbete med CRASH på Esplanade, Singapore, med titeln 'Collison I' och 'Collison II'. Detta var den första graffitikonstshowen som hölls i en formell konstinstitution i Singapore. 2007 undertecknade Loh med Mingart Gallery i Taipei och höll sin första Taipei solo-popkonstutställning 2008, 'Cherry Pop II'. Den kontroversiella utställningen skildrade suggestiva nakenmålningar och skulpturer, som fick honom mycket uppmärksamhet från media.

Cherry Pop II, Jahans första utställning av solo-popkonst i Taipei 2008, på Mingart Gallery

”Cherry Pop” är ett koncept som jag tänkte 1998 och aktualiserade 2003 när målningarna jag skapade för den här serien ställdes ut i min första soloshow i Singapore. Jag gjorde det inte bara för att stimulera eller tilltala min publik; det var mer ett personligt projekt att utforska identitet genom ett spektrum av känslor, förklarar Jahan.

Taiwanesiska kritiker erkände honom som en av de viktigaste artisterna som har gjort Singapore popkonst internationellt. Också det året 2008 valdes han ut till 8Q-RATE, den första utställningen av 8Q SAM i Singapore. Efter showen tog han ett års sabbatical innan han återvände 2009 med en solo-show på 798, Peking, Kina, som sponsrades av VANS; utställningen 'The Great Wall' var landets första gatukonstutställning.

"Samtida visuell kultur omfattar en mängd praxis inom discipliner, industrier och media," säger Tan Siuli från Singapore Art Museum. ”Av dessa har kanske ingen fått så mycket synlighet under de senaste åren så mycket som graffitikonst, delvis drivet av den ökande populariteten hos utövare som Banksy och Shepard Fairey, vars vred kritiska kommentarer peppar urbana landskapet som en chans möter på gatahörnor och tegelväggar. ”

2010 skapade Jahan målningar och skulpturer av ikoniska popämnen som ett kollektiv med Jakuan Melendez från den tidigare 360 ​​Toy Group, och Hong Kong-skådespelaren Edison Chen som gick av moniker 'Etelier des Chene'. Trioen gav sig namnet "Treacherous Treis" och visade upp sitt arbete på Museum of Art & Design, Singapore. Bland dessa ikoniska popämnen är hans "Hello Pussy" (2010) -serie, som i huvudsak är fiberglasskulpturer av en blåtonad Hello Kitty-karaktär, var och en omgiven av en pool med hett rosa blod.

Alexandra Chang skriver, ”När den tas in i ramen för det större utbudet av konstnärens verk, är denna skulptur ('Hello Pussy') parallell med den öppet sexualiserade kretsande blåa glasfiberkvinnformen, omgiven i en röd plastpool av menstruationsblod i 'Cherry Pop Flicka från sin "Cherry Pop" -serie. I 'Hello Pussy' skiftar verket från en mer rak ungdomlig blick till kvinnlig sexualitet och signalerar istället en pjäs om oskyldighet och de skiktade och mångfaldiga synvinklar som konstnären kan samla genom att komprimera många ögonblick till en enda ram - allt betecknas av en barndomsikon som passerar till vuxen ålder. ”

Efter att ha tillbringat nio år i Taiwan, flyttade Jahan tillbaka till Singapore 2011 där han skapade sin serie "Cherry Poke: Reconstructed Philosophies" (2011) som ställdes ut i olika utställningar, inklusive en solo show 2011 på Esplanade, Singapore, och en gruppshow 2012 med titeln '15 Minutes Eternal ', en Andy Warhols utställning på ArtScience Museum, Marina Bay Sands, Singapore.

"Jag ville bryta mig loss från min gamla figurativa stil och skapa en serie stilleben som definierar min nationalitet som en singaporisk, eftersom jag kände att efter att ha tillbringat ... år i Taipei, till och med vissa kinesiska konsttidningar skriver att jag är taiwanesisk ”Säger Jahan.

Gone to the Dogs, 2013

Sedan 2013 skapades "Working Class Hero" (2013), där Jahan återkontextualiserade ikonografi och popkultur i en solo-show i Chan Hampe Galleries på Raffles Hotel, Singapore. "Working Class Hero" introducerar nya sätt att överväga kända berättelser och hyllar de vardagliga osynliga hjältarna genom pop och religiösa referenser som utforskar en modern undersökning av Singapore och därefter.

"Dessa ikoner som dras från massmedia handlar inte om att få omedelbar popularitet, utan att få en koppling för att få sociala finesser i ljus, så att de kan utforskas ärligt," säger Jahan. "Från superhjältarna som kämpar för rättvisa i den komiska världen till de mänskliga hjältarna som gör en skillnad varje dag i den verkliga världen ... ['Working Class Hero' är] ett rekord till handlingar av osynliga hjältar ... Dekonstruktionen av populära ikoner i min nya serie gjordes för att inte bara utföra en kritisk eller filosofisk uppgift utan också en intergalaktisk: att förändra ens uppfattning om verkligheten och öppna nya platser för att vara och bli; en som undersöker möjligheten till nya former, nya kroppar och nya sinnen. ”

Under de kommande två åren publicerade Jahan "Basic Instructions Before Leaving Earth" (2013), en bibel om hans oeuvre; deltog i en fyra månader lång uppehåll på ESKFF vid MANA Contemporary, Jersey City, New Jersey, USA; gav upp ungdomar; gjorde olika uppdragsarbeten, inklusive en med Singapore-baserad sneakerhandlare Limited Edt för öppnandet av deras nionde butik, där han skapade en livsstorlig 150 kg Michael Jordan-skulptur med titeln 'Full Metal Twenty Three' (2014); och började förbereda sig för sin nya serie 'STATIC PARITY:' (TBA).

Från att vara känd som 'Dazed-J' när han först drogs in i gatukonst i början av 90-talet, till att ha sin egen 'jahan-loh' -tagg på (kanske den mest populära gatukulturwebbplatsen i världen) Hypebeast, Jahan är en bildkonstnär som är del-från-framtiden, del-motkultur och har tekniker och en mind-set som är del-fin-konst, del-street. Hans arbete är både highbrow och lowbrow, vittig men inte överintellektualiserad, lekfull men ändå smaklig. Från neopopflickor till intergalaktiska hjältar, kappkorsfarare till dragonchasers, Jahans värld av grafiska underverk är fylld med populära bilder, syra-tvättade drömmbilder och kryptiska ordspel.

The Risen 1, 2013

Troligen en av Singapores ledande artister, han har representerat Singapore i New York, Los Angeles, Glasgow, Melbourne, Japan, Malaysia, Hong Kong, Korea, Taiwan och Kina; och samarbetade med massiva globala varumärken som Nike, Adidas, VANS, Sony och Reebok; med verk i många privata samlingar och museer över hela världen. Art Republik tappar telepatiskt med sitt tvåårsjubileum "Jedi Master" -täckstjärna (sedan han ingick i "Guardians of the Garden City" -kollektören återfinns i nummer fem, Art RepublikÄr ett års jubileumsutgåva) för att välja sin hjärna på den konstnärliga scenen i Singapore och vad han gör upp till i dag.

Du har haft stints i många länder som New York och Taiwan, hur är det att vara en konstnär i Singapore? Vad tycker du om Singapore-scenen?

Att vara borta i nära ett decennium och återvända hem för att starta min studio har varit en riktig resa. Jag insåg att regeringen har byggt ett enormt växthus för att odla den singaporeiska konstscenen, i en av de dyraste städerna i världen.

Saker händer mycket mer organiskt i länder som jag har visat. Under mina åtta och ett halvt år i Taipei växte min karriär inom konst organiskt när jag utsattes för marknadskrafterna när jag gick in i detta konstfält. Jag visste inte om de omfattande konstfinansiella scheman och infrastruktur som National Arts Council (NAC) erbjöd för singaporska konstnärer när jag var i Taipei.

Det var utmanande för mig att finansiera mig själv och överleva att vara en heltidskonstnär, hantera min studiohyra, materialkostnader och fretting om olika aspekter av näring, men jag antar att allt hände av en anledning, och dessa olika uppsättningar och upplevelser spelade en del i att forma min konstpraxis.

Through the Fire, 2011

Jag var utan inkomst i två år när jag var i Taipei och förberedde mig för min första soloshow, och efter den hårda säsongen insåg jag att ingenting skulle kunna bli värre om jag kunde leva igenom det. När du får överleva i världen utan något provrör bifogat gör det dig mer motståndskraftig och inte bara kan överleva utan trivs.

Bidragssystemet är bra som en kickstarter och ett bra stödsystem för konstnärer att utnyttja scheman för att uppnå större höjder. Jag tror att med ett bra system för stöd måste konstnärerna uppfinna oss själva igen och tänka bortom vår lokala publik och skapa medvetenhet och utveckla en efterföljande utomlands och skära ut en nisch. Bidragssystemet är ett medel, inte ett slut. Det är inte bra för konstnärer att vara över beroende av det. Många gånger, även om bidragssystemet skapades för att hjälpa en konstnär som växte, är vissa konstnärer för sked som matas av det att detta stöd hindrar en konstnärs tillväxt.

En majoritet av de lokala konstnärerna känner sig rädda när de lämnar skolan och riskerar inte att bli konstnärer på heltid. De flesta går tillbaka till deras komfortzon som undervisar i skolan. Med ett dagsjobb på heltid som lärare tänder våra lokala 'konstnärer' månsken och skapar konst deltid. Jag ser inte detta som ett hälsosamt tecken, eftersom båda karriärerna äventyras.

Kreativitet gäller inte bara i konstverken utan det är en helhetssyn på hur konstnärer driver sin konstpraxis. Jag har ofta märkts som en kommersiell konstnär eftersom jag inte passar in i den traditionella formen att vara en 'ren' konstnär med abstrakta begrepp som bara ett fåtal kan förstå. Min konst är ett reflexivt uttryck för samhället och den konsumentistiska kulturen som jag växte upp i. Popkonst, som är vad jag tenderar att klassificera mina verk som, måste nå ut till massorna, för att förenkla abstrakta begrepp på älskvärda och estetiska behagliga former, vare sig det är målning, skulptur eller till och med varor, som jag ibland betraktar som konst. Det särskiljande faktum är att jag fortfarande kommer att skapa och göra mina skulpturer även om de inte uppfyller marknadens behov. Jag kommer inte att böja mitt koncept eller stil. Min konst och vad marknaden vill kanske går parallellt men de kommer aldrig att möta.

Det här är vad popkulturen handlar om; om du gillar något, tenderar du att köpa det, så jag förvirras av puristkonstnärer som beskriver min konst som kommersiell, när de är så ytliga att bedöma konsten utifrån den estetiska. Detta visar bara hur myopiskt man kan vara när man tillbringar en hel karriär som överlever i ett växthus som är skyddat från elementen. Stora mästare som Salvador Dali tog på sig samtida uppdrag och han designade till och med Chupa Chups-logotypen. Storheter som Picasso, Gaudi och Andy Warhol hade alla en fot i den kommersiella världen eftersom deras konst är relevant för tiden. Men detta verkar vara ett svårt koncept för kuratorer och konstnärer att förstå här i Singapore. Vår konstmarknad är ganska ung med en snabbare tillväxt inom infrastruktur och konstmässor.

Konst är ett viktigt instrument för Singapores streck att bli ett första världsland. Konstens immateriella värde är en avgörande komponent för att driva konsten ut för att projicera Singapore som en utvecklad global stad.I Taiwan är den genomsnittliga taiwanesiska medelklassen inklämd och de har det mycket svårare än singaporer. Men hur de känner för konst - det är en del av deras liv, tydligt i deras självuttryck, hur de klär sig, hur de förskönar sina hem, deras vardag - taiwaneserna omfamnar och adopterar denna livsstil. Tyvärr känner jag att konst i Singapore inte har haft tid att växa organiskt; och det kan ta decennier att bygga.

Vad saknar vi i Singapore för att uppnå det?

Vi har fantastiska gallerier och museer men tyvärr saknar vi innehållet och programvaran för att fylla dessa institutioner. Innehållet fyller inte utrymme utan att faktiskt dra publik som vill se verk. Jag tror att det finns utrymme för mer insiktsfulla kuratorer som känner till det aktuella och ger känsla för lokal konst, och att ha fler utländska kuratorer från väst för att ge ett nytt perspektiv på vår konst eftersom det är svårt för oss att se oss själva från en tredje person av synen. Jag tror också att vi behöver erfarna konstnärer som lärare som kan förbereda studenter för en karriär som konstnär.

Vad är intrycket av Singapore konstscen i säga, New York?

Jag är inte så säker på vad de tycker men de flesta New Yorkare tror fortfarande att Singapore är en del av Kina ...

STATISK PARITY (förhandsvisning)

Berätta mer om alla dina mer anmärkningsvärda samarbeten som konstnär.

Jag tycker att samarbeten alltid är intressanta eftersom det förenar konstnärer eller organisationer för att skapa något nytt. Jag antar att det mest intressanta för mig var att arbeta med John 'CRASH' Matos i Singapores första institutionaliserade graffiti street art show, vilket var ganska relevant eftersom CRASH var en av grundarna till denna konstform, och en pionjär graffitikonstnär i New York som ställde ut tillsammans med Andy Warhol, Jean-Michel Basquiat och Keith Haring. Andra intressanta samarbeten var med kommersiella varumärken som Adidas, Vans och Reebok som gav min konst en plattform som skulle kunna visas och uttryckas på ett helt annat medium. Jag hade min första soloshow i Peking som sponsrades av VANS, och jag var glad att de som tittade på showen inte bara var människor från konstsamhället utan från ungdomar som normalt inte skulle komma in i ett galleri. Jag tror fortfarande på konst för allmänheten, och om de får mitt koncept i en show, åtminstone de utsätts för det.

Det verkar finnas en ökande trend att konstnärer inte är de som faktiskt skapar sina konstverk längre. Istället kommer de bara med idéer, och de får andra att skapa sina verk, särskilt med skulpturella verk. Som en konstnär som skapar många skulpturer, vad tycker du om detta? Ser du detta som ett problem? Deltar du också i den här processen? Berätta samtidigt om din konstnärliga process.

Jag antar att det är postmodernismen i full gång ... författarens död. Jag är ganska händerna på mig själv, gör alla mina målningar ensamma som står för min låga produktivitet, eftersom jag tenderar att vara tvångsmässig med mina målningar tills de äntligen har lösts. Med mina skulpturer är de en förlängning av min tonårshobby för att göra 1/6 skalleksaker, och de självlärda färdigheterna som jag tog upp och sedan gjorde huvudskulpturer av figurer fick mig att skapa min konst i 3D från 2007 i Taipei. Jag tog fyra månader att skapa min första livsstorlek "Cherry Pop" -tjejskulptur, som startade från en maquette. Nyligen har jag arbetat mer med metall och vidarebefordrar gjutningsprocessen till ett gjuteri som hjälper till att göra formen och gjuta bronsskulpturerna.

Berätta om din senaste serie och vad den handlar om.

‘STATIC PARITY:’ är serien jag arbetar med nu och den konceptualiserades under mitt konstresidens på ESKFF på MANA Contemporary.

"STATISK PARITY: GENESIS": Människans strävan efter sanning och kunskap är alltid begränsad till storleken på våra hjärnor. Universum är alltid i ett tillstånd av statisk paritet och i ständig jämlikhet. Sökandet efter människans ursprung finns i religiösa texter både från judendom och kristendom. Även med modern vetenskap är det omöjligt att skapa liv från icke-liv, så hur kom vi människor att bli? Människans inre väsen är gjord av högre, andlig energi såväl som den energi som materialet utvecklades. Massan gör bara ett visst material synligt omslag på denna energi. På grund av dess högre kraft kan den andliga påverka på de lägre energierna där materialet också hör till, och det kan kontrollera det. Människor som har nått perfektion på alla livsområden sade att allt är gjort av sig själv.

Från min studie och tolkning av Adam och Eva försöker jag skapa deras andliga aura i det ögonblicket som människan föll på.

Story Credits

Text av Marc Wong

Denna artikel publicerades ursprungligen i Art Republik